[Italiano-Español] MINISTERIO DE CULTURA PICASSO, EL GRAN EXPERIMENTADOR PICASSO, EL GRAN EXPERIMENTADOR A 50 AÑOS...

Ministero della cultura Picasso, il grande sperimentatore Picasso, il grande sperimentatore di 50 anni della morte dell'artista spagnolo, The Fine Arts espone tutte le opere che ha il Museo del Cubismo. In questa intervista, il curatore della mostra, Paola Melgarejo, fornisce dettagli della mostra e afferma che l'autore di Guernica "non ha mai smesso di sperimentare nuove lingue artistiche". Sabato 8 aprile 2023 Il National Museum of Fine Arts (MNBA) si unisce ai tributi che il mondo dell'arte dà all'artista spagnolo Pablo Picasso all'età di 50 anni della sua morte con il campione Picasso nell'eredità del museo, che Riunisce più di 30 opere tra disegni, incisioni, ceramiche e dipinti che appartengono alla collezione istituzionale. La cosa interessante della mostra è che, seguendo il percorso proposto, può essere scoperto (parte della) vita e lavoro di Picasso; Fin dalla sua istituzione, dal momento che ci sono alcune delle sue prime incisioni e durante la sua carriera: ci sono registrati, acquerelli, disegni, un grande formato e persino ceramica, una tecnica che ha imparato all'età di 65 anni. Attraverso queste creazioni, si possono vedere i temi principali in cui lo spagnolo lavorava durante la sua vita, come donne, atelier, situazione politica, corrida e animali fantastici. Paola Malgarejo, curatrice del campione "Picasso nelle attività del museo". Il tour è un'idea di Paola Melgarejo, il curatore della mostra, che in questa intervista spiega le peculiarità di questa mostra e anche della vita dell'artista spagnolo. Melgarejo, ricercatore delle belle arti e specialista nell'arte europea del diciannovesimo e ventesimo secolo, afferma che Picasso ha sperimentato in tutte le tecniche e lingue di arti di plastica durante ogni razza. Da giovane voleva imparare a imparare, che non è stato insegnato nelle accademie e a 65 anni conosce una ceramica e decide di imparare la ceramica. E, inoltre, è cambiato fino a quando non stava andando bene e ha avuto successo. Ad esempio, dopo aver catapultato con il cubismo, lo ha abbandonato per un po 'in un periodo noto come ritorno all'ordine. "È stato un innovativo. Mi sembra che questo rischio che abbia assunto in ogni momento sia qualcosa di straordinario ", afferma il curatore. Tra le opere espositive, datata tra il 1905-1959, è una donna che giace, un grande formato del 1931, è rappresentato un pezzo più grande della collezione del museo, in cui Marie-Thérèse Walter, madre di sua figlia Maya, è rappresentata. Donna bugiarda, 1931. Pablo Picasso. "Ho messo i miei dipinti ciò che amo", ha detto Picasso nel 1936. Il pittore ha rappresentato le donne che hanno segnato la sua vita e che si sono ribadite in fasi, come parte delle sue ricerche sperimentali attorno alla figurazione e al cubismo. "Nella mostra volevamo affermare che queste donne non erano solo le loro muse perché le donne che appaiono erano le loro partner e in generale erano donne che avevano la loro vocazione, la loro identità", afferma Melgarejo. -Perché Picasso è uno dei grandi pittori della storia? -PipAsso è uno degli artisti che hanno promosso l'avanguardia storica, quei movimenti artistici che hanno rotto con la figurazione tradizionale. Fin da giovane, quando andò a vivere a Montmartre nel 1904, iniziò a sperimentare lingue artistiche e, intorno al 1907, iniziò il cubismo. Il cubismo si è rotto con la figurazione tradizionale perché ha rotto la prospettiva, il punto di vista unico; Da allora, le forme appaiono frammentate, con vari punti di vista, in spazi confutati; È un nuovo modo di vedere un'opera d'arte. Da quel momento non ha mai smesso di sperimentare nuove lingue artistiche, ha rifatto ancora e ancora. Il cubismo, infatti, ha fasi diverse, cubismo analitico e cubismo sintetico; Ciò segna la costante ricerca per innovare le lingue artistiche, per averle cambiate, per fare una pausa tra l'arte prima dell'avanguardia del 1905, 1906 e quel presente; Il presente di questa nuova generazione che si rompe con le forme, con i colori, con le idee che riguardavano il linguaggio moderno. Cavallo, storia naturale di Buffon, 1936. Libro: Storia naturale. Pablo Picasso. -Come il museo acquisisce le opere di Picasso che sono in mostra oggi? -AC 1956 Il museo non aveva alcun pezzo di questo artista ed è allora che inizi a pensare a questa possibilità. Nel 1956, il direttore del museo era Jorge Romero Brest e, nella sua direzione, un gruppo di fan che frequentavano il museo, eccita l'idea di avere opere di Picasso. Questo gruppo di fan, insieme alla Friends Association, riunisce fondi con l'obiettivo di acquistare opere che possono essere donate al museo. Questo obiettivo è raggiunto; Questi fondi si uniscono e Romero Brest seleziona le opere nella galleria di Parigi di Daniel-Henry Kahnweiler, che era la marcia di Picasso. Romero Brest sceglie un gruppo di incisioni e ceramiche e dona anche opere della sua collezione come sogno e menzogna di Franco e una ceramica. Nel 1958 c'erano quasi tutti i pezzi che possono essere visti oggi nella mostra. Alcuni anni dopo, nella seguente direzione, quella di Samuel Oliver, il museo acquisisce altre due opere della Torcuat Di Tella Foundation; che stava chiudendo le sue porte e poi viene acquistato un acquerello, che è nudo con la schiena e un dipinto ad olio che è una donna che giace nel 1931. Quindi questa volta puoi vedere tutte le opere acquistate in quel momento e che sono tutte Le opere di Pablo Picasso che ha il museo. Naked Back Woman, 1905. Pablo Picasso. -Come e quando Picasso ha imparato la tecnica di incisione? Che importanza ti dà questa tecnica? -Pipicasso ha imparato la tecnica del foglio registrato quando ha circa 22, 23 anni e vive a Montmartre. Prima di fare alcune esperienze nell'incisione in legno, ma non era stato in grado di imparare questa tecnica nelle accademie in cui studiava, che era all'Accademia delle Fine Arti a Barcellona e nell'Accademia di San Fernando a Madrid. Il metodo di insegnamento del mondo accademico era molto tradizionale e ha messo l'accento sull'insegnamento del disegno. Già vivendo a Parigi, essendo molto giovane e anche molto povero, i suoi pittori gli hanno insegnato a registrare le targhe con un Buril e, poiché non aveva abbastanza fondi per acquistare un foglio, ha riutilizzato quelli lasciati da altri artisti. Le tecniche di incisione, la punta a secco impara praticando ancora e ancora su queste piastre. A quel tempo, tra il 1904 e il 1906, fu in grado di timbrarli, ma da ogni foglio prese alcune stampe. Qualche tempo dopo, nel 1909, 1910, Picasso era già un artista riconosciuto e i Marchands di quel tempo, in particolare Daniel-Henry Kahnweiler e Ambroise Volllard, acquistò queste piastre nel 1911, 1912 e li fece timbrare e prese diverse stampe da ciascuna. Questo è stato l'inizio dell'interesse che ha avuto in questa tecnica ma, per tutta la sua vita, farà numerose incisioni in serie. Ci sono una serie di incisioni che fa di una trazione in breve tempo, ad esempio 100 incisioni per la Volllard Suite o, alla fine della sua vita, fa esperienze con una serie di 347 incisioni, anche un'altra delle 100 incisioni. Eseguirà un gran numero di incisioni in diverse tecniche, perché sperimenta sempre, non solo ecc. Sempre nella ricerca di nuove tecniche. Sollevamento della natura con Frutero, 1909. Pablo Picasso. -Uno dei temi che appare nella mostra è "l'artista e il suo atelier", perché questo problema diventa uno dei temi "Picassian"? -Questo tema lo interessava molto presto. Ci sono opere legate a questo tema dal 1914 e, nel 1972, pochi mesi prima di morire, stava anche lavorando con questo tema. È un modo per affrontare la propria esistenza quotidiana, che la ha superato in quei seminari. Aveva diversi seminari, a Parigi, ma anche in altri luoghi in cui viveva, come sulla Costa Azul, e anche ogni volta che si trasferì in un posto da qualche parte, creava un piccolo atelier. Quindi Atelier e il suo modello sono un argomento legato alla sua stessa vita. È un modo per riflettere su te stesso. Picasso disse che le sue opere erano autobiografiche, che dovevano leggerle come pagine del suo diario. Quindi in ogni momento che queste scene dell'artista appaiono nel suo atelier, nei dipinti e nelle incisioni, dobbiamo leggerle come quelle pagine del suo diario, come momenti della sua vita quotidiana in cui era in quell'atelier con il suo modello e superato Molte ore alla ricerca di nuove lingue. Questi modelli sembrano a volte rappresentati in senso figurato, ma altre volte in un modo cubista e surrealista. Sta facendo le sue esperienze. È come uno specchio di se stesso questo tema. The Atelier, 1927. Pablo Picasso. -Il terzo nucleo del campione si chiama femmes, ritratti di donne. Potresti dirci quale fosse la relazione di Picasso con le donne della sua vita e come sono rappresentate nel suo lavoro? -Le donne sono al centro del loro lavoro e delle loro esperienze perché attraverso la rappresentazione di queste donne, affronta diverse lingue ed esperienze con tecniche diverse. Nella mostra volevamo affermare che queste donne non erano solo le loro muse perché le donne che appaiono erano le loro partner e in generale erano donne che avevano la loro vocazione, la loro identità. Olga Khokhlova, la sua prima moglie, era una ballerina del Diaguilev Ballet Toupe. Dora Maar era una pittrice e fotografa surreale. In effetti, nel museo abbiamo un dipinto di lei realizzato nel 1934 ed era una donna con una posizione politica molto forte che lo spinse a prendere una posizione antifascista nel contesto della guerra civile spagnola e della seconda guerra mondiale. Lo ha influenzato e l'ha influenzata, perché ha fatto fotografie surreali e l'ha spinto per iniziare a dipingere, per dedicarsi alla pittura. Aveva già studiato la pittura ma la sua vocazione era ribaltata verso la fotografia. Françoise Gilot era un artista, anch'esso pittore, era ed è perché attualmente vive. Anche Fernande Olivier ha dipinto. In generale, sono sempre stati visti come le muse di Picasso, ma oggi cercano di restituire la loro identità, la loro identità di donne, come professionisti, oltre la vita di Pablo Picasso. E a livello personale con i suoi partner, Picasso aveva relazioni molto appassionate ma anche molto tempestose. Stare con Picasso consentiva, le diverse coppie che aveva, di entrare nel mondo culturale di quel tempo, perché Picasso aveva una personalità forte, attratto poeti, ballerini, personaggi di moda, altri artisti. Si strofinò le spalle con tutto il mondo culturale e, essendo la coppia di Picasso, che permise loro di muoversi in quella cerchia. Ma, ad esempio, Dora Maar prima di incontrare Picasso già si muoveva nella cerchia di artisti surreali. E Olga Khokhlova già si muoveva nel cerchio di balletto, ma dall'essere con lui, quel contatto diventa più forte, possono incontrare altre personalità. Allo stesso tempo, dovevano avere una relazione ineguale. Picasso era un uomo del diciannovesimo secolo, nacque alla fine del XIX secolo e nelle sue relazioni amorose c'erano gelosia, da lui, spostati e molti abbandoni. Sono donne che hanno parzialmente sofferto di queste relazioni, tutto questo lato emotivo era difficile per loro. Quindi tutto ciò che ha portato loro quel mondo culturale, quella luminosità di essere accanto a una figura come Pablo Picasso ha anche avuto un altro condimento, una parte leggermente cupa legata alla sua personalità e, in generale, hanno subito questa situazione. La donna che poteva risolverlo in un altro modo era Françoise Gilot, la madre dei suoi figli Paloma e Claude, che era quella che poteva porre fine alla relazione con lui. Non ha soddisfatto una relazione così disuguale e potrebbe lasciarlo alle spalle, ma le altre donne hanno sofferto di più. Figura composta I, 1949. Pablo Picasso. -A attraverso una serie di incisioni, nella mostra puoi anche vedere l'impegno politico di Picasso. Qual è la storia di quelle incisioni e la loro relazione con Guernica? -From 1904 fino alla sua morte nel 1973, Picasso viveva in Francia, ma ogni tanto tornava a Barcellona per visitare la sua famiglia. L'ultima volta che era stata nel 1934. Nel 1936 la guerra civile spagnola esplose e il governo repubblicano ha bisogno di fondi, ha bisogno di aiuto, ha bisogno dell'impegno politico delle persone che vivono in altri paesi, quindi chiede a Picasso un murale a favore della causa repubblicana per il padiglione spagnolo della mostra internazionale di Parigi che sarebbe stata fatta nel 1937. È gennaio 1937 e Picasso inizia a fare la serie di incisioni che in seguito sarebbero state definite un sogno e menzogna di Franco, perché il Anche l'idea era quella di raccogliere fondi per la causa repubblicana che vende queste incisioni. Queste incisioni sono realizzate su due piastre e ogni foglio ha nove proiettili. Inizia a gennaio con un foglio e crea le nove vignette ed esegui anche cinque vignette del secondo foglio. Sono tutti legati al generale Franco, che è satirizzato. Sono scene in cui Franco appare con un'immagine mostruosa, pregando di soldi o distruggendo persone o animali. Lo mostra in questo modo abbastanza forte e satirico ed è in questo processo quando, alla fine di aprile, impara a conoscere il bombardamento della popolazione basca di Guernica, in Spagna. Quindi presenta il problema per il murale che avevano chiesto e inizia a lavorare su un grande tessuto con il tema che conosciamo oggi come Guernica. Questo tessuto è un'accusa legata a questo evento in Spagna. È promosso da Dora Maar, la sua compagna all'epoca; Aveva un impegno politico antifascista e lo spinge a lavorare in queste opere e assumere questa posizione politica. Nella Guernica, donne che piangono, che gridano, bambini morti e, nel contesto di esibirsi nella Guernica, Picasso termina le incisioni che stava facendo, che mancavano quattro vignette. Queste quattro vignette sono totalmente legate a Guernica: puoi anche vedere donne che gridano, bambini morti, cioè già un tema diverso da quello rappresentato dalla satira al generale Franco. Queste incisioni furono vendute in una posizione contro Guernica, che fu finalmente montata nel padiglione spagnolo della mostra internazionale di Parigi, quindi nello stesso spazio si poteva vedere la vernice e, di fronte, le incisioni di Pablo Picasso. Dream and Lie of Franco, 1937. Due piastre con nove scene ciascuna, Aguatinta e Etchofuerte su carta. Pablo Picasso. -N nell'ultimo asse del campione ci sono una serie di otto piatti in ceramica. In che modo Picasso arriva a questa tecnica? -N nel 1946, era sul blu francese e conosce la ceramica di Madaura. Si entusiasma per questa tecnica e chiede di essere insegnato. Quindi inizia ad andare in questo seminario giorno dopo giorno per imparare la tecnica della ceramica. All'inizio, dice che è difficile perché deve mettere i colori in precedenza senza sapere come saranno dopo il forno. Anche le forme sono anche modificate con la cottura, ma poiché è un artista molto sperimentale, inizia a usare tutto questo a loro favore, per sperimentare diverse possibilità della tecnica. E da lì, fino alla fine della sua vita, farà numerose ceramiche, sempre legate a questa ceramica. Sarà installato sul Blue Costa francese, quindi sarà in contatto permanente con il matrimonio di Ramié, che è il matrimonio che repensa questa casa di ceramica. È una tecnica in cui sperimenta molti dei suoi temi: corrida, animali e personaggi fantastici, faune, centauri. Sarà una tecnica che lo eccita molto e, allo stesso tempo, una nuova possibilità di arte che non aveva preso in considerazione. Non richiede la ceramica come tecnica minore. Tutte le tecniche che si rivolge danno loro il privilegio e l'importanza delle principali tecniche artistiche. Quando dipinge, quando si incise o quando fa ceramica o sculture, per lui sono tutte tecniche che privilegiano e che meritano un posto eccezionale nella storia dell'arte. Bullring, 1959. Serie di 8 piastre. Brockery rossa con decorazione di angobe nero. Madura Factory. -A livello personale, cosa sei affascinato da Picasso? -Credo che la passione che ha messo nella sua vocazione, nella sua professione. Aveva una facilità innata, perché non è comune per un bambino disegnare e dipingere come ha fatto; A tredici si distingue come artista accademico. Anche a quindici anni, all'Accademia delle belle arti, crea disegni che non sono comuni a quell'età. Ma per questa innata vocazione, aggiunge un lavoro instancabile, giorno dopo giorno, da quando è bambino alla sua morte all'età di 91 anni. Giorno dopo giorno lavora nella sua arte e sono interessato a questo, l'idea che il lavoro quotidiano produca una vocazione, un'opera, una produzione, nel senso. La vocazione ha bisogno di quel lavoro quotidiano, era un suo lavoratore. Sono anche interessato che abbia sperimentato molto in tutte le tecniche e non è rimasto con una sola lingua. Né quando stava andando bene, rimase in una lingua o in una tecnica, perché all'Accademia delle belle arti quando aveva quattordici anni, fare lavori accademici stava andando molto bene, si distingue e non rimase in quella lingua, andò a Parigi e lui praticarono altre lingue. Nel 1901 era molto giovane, disse per la prima volta, e aveva lo stile di (Henri de) Toulouse-Lautrec a quel tempo, andò bene, andò bene anche nei suoi periodi blu e rosa, iniziò ad andare Bene, con queste opere eppure non era abbastanza, non raggiunse e cercò il cubismo e una volta riuscito con il cubismo, anni dopo tornò alla figura umana in un periodo che era chiamato il ritorno all'ordine, vale a dire che lui è Non è rimasto con ciò che gli ha dato fama, Prestige, era sempre alla ricerca di una nuova lingua e in effetti fino alla fine della sua vita era in quella ricerca. Era un artista che fino ai suoi ultimi giorni fa su un'opera al giorno e innovava sempre in tecniche e lingue. Mi sembra che questo rischio che abbia assunto in ogni momento sia qualcosa di straordinario e quell'idea che distinguerti in una professione devi essere un lavoratore e trascorrere del tempo ogni giorno, che alla fine la professione viene messa insieme a quelli ripetuti giorni in cui lavora, dove indaga, dove sperimenta e alla fine si traduce in un artista di questa qualità. Ángel Navarro, curatore della mostra "Antichi Papers"; Mariana Marchesi, direttrice artistica del museo; Andrés Duprat, direttore del museo; Paola Malgarejo, curatrice dello spettacolo "Picasso in The Heritage of the Museum" e Julio César Crivelli, presidente della Friends of Fine Arts Association. Sulla vita di Pablo Picasso nacque il 25 ottobre 1881 a Malaga, nella Spagna meridionale, in una famiglia borghese. Ha iniziato a dipingere all'età di otto anni, sotto la guida di suo padre, José Ruiz e Blasco, pittore e insegnante di disegno. A quattordici anni, iniziò gli studi all'Accademia di Fine Arts di Barcellona e in seguito li seguì all'Accademia di San Fernando, a Madrid. Da bambino ha mostrato un talento eccezionale per la pittura ed è stato uno studente eccezionale delle Accademie d'arte, ma ha trovato questo insegnamento obsoleto e lo ha abbandonato. A 22 anni (1904) vivrà in Francia e si stabilirà nel vecchio edificio noto come El Bateau-Lavoir, nel quartiere parigino di Montmartre. È qui che i suoi pittori gli insegnano la tecnica di incisione. In questa fase della giovinezza, cerca il suo stile, esegue le sue opere di periodi blu e rosa, in dipinti con mendicanti e arlecchini e nel 1907 iniziò a sperimentare il cubismo nel suo dipinto le donne di Avignone. "Picasso non ha accettato la realtà visiva come qualcosa di innato e inevitabile. Al contrario, era sempre consapevole che tutto ciò che ha visto avrebbe potuto prendere un modo diverso, che dietro ciò che si vede ci sono altre cento possibilità visibili che sono state respinte", dice Lo scrittore e critico inglese ** John Berger ** Nel prologo che ha scritto nel 1987 per la ristampa del suo libro*fama e solitudine di Picasso*, che era stato pubblicato nel 1965. Come dice lo specialista dell'arte Paola, "era sempre Un artista nella ricerca di tecniche innovative, "che non ha mai smesso di sperimentare nuove lingue nel corso della sua vita. "Il suo diabolico impulso verso l'invenzione, a volte profonda e talvolta superficiale, è stato derivato da quella convinzione essenziale che, all'origine, il visibile è arbitrario", continua Berger. Scultore con tazza e modello in Cuclillas, della Suite Volllard Series / The Sculptor's Workshop (1930-1937), 1933. Pablo Picasso. In compagnia di poeti e pittori come Guillaume Apollinaire, Amedee Modigliani e Juan Gris, ha una vita bohémien. Durante gli anni seguenti, insieme a Georges Braque, praticò il cubismo analitico (che rappresentava le figure da più punti di vista) e il cubismo sintetico (da forme schematiche in cui incorporava i documenti incollati). Le sue opere iniziano ad essere acquisite da importanti collezionisti, come lo scrittore americano Gertrude Stein, e Marchands Daniel-Henry Kahnweiler e Ambroise Volllard. Nel 1917 collabora con costumi e disegni decorati per il balletto russo, diretto da Sergéi Diagilev. Quindi incontra Olga Khokhlova, una ballerina russa, con cui si è sposato e ha avuto suo figlio Paolo. Negli anni Venti, la sua fama aumentò e vendette molte opere e entrò in contatto con diversi circoli artistici, come gli scrittori della "Generazione perduta", i membri del gruppo surrealista e con gli stilisti, come Gabrielle Chanel e i ballerini e i coreografi legati al balletto russo, poiché ha continuato a realizzare progetti per questa azienda. A differenza di molti altri pittori, Picasso è diventato tremendamente famoso durante la sua vita e ha anche raccolto fortuna e potrebbe vivere dalla sua produzione artistica. "Il suo nome è noto da molti che non potevano dire come si chiama il suo primo ministro. In Inghilterra è così famoso che Rafael in Italia. In Francia, gode di più rinomata di Robespierre (..) Non c'è dubbio che qualsiasi altro pittore fosse così noto per così tante persone ", scrisse Berger nel 1965 quando Picasso viveva ancora e aggiunge:" Dai venti anni che aveva avuto stato libero da preoccupazioni monetarie, a trenta otto anni era ricco e da sessanta -cinque era un milionario. " Nel decennio seguente, scambò idee e fece viaggi con artisti e scrittori del gruppo surrealista, come André Breton e Paul Éluard, e incorporava questa lingua in alcune delle sue opere. Il suo partner era Marie-Thérèse Walter, che ha interpretato in più opere e che è la protagonista di una donna che giaceva, grande formato del 1931 e un pezzo più grande della collezione del National Museum of Fine Arts. Walter è la madre di sua figlia Maya. Illustrazioni di libri Due storie: The Picador Centaur e The Twilight of a Faun of Ramón Reventós, 1947. Pablo Picasso. Durante la guerra civile spagnola, nel 1937, influenzata dalla posizione politica del pittore e fotografo Dora Maar, la sua compagna, quindi dipinse uno dei suoi dipinti più famosi: Guernica. Dopo l'occupazione tedesca di Parigi nel giugno del 1940, mentre Guernica fu esposta in diversi paesi, la sua arte fu descritta come "degenerata" dal nazismo. Dopo il rilascio della città nell'agosto del 1944, si unì al partito comunista francese. Questa posizione antifascista gli ha impedito di tornare nel suo paese, poiché la dittatura di Francisco Franco si estendeva fino a dopo la sua morte. "Ha vissuto in uno strano isolamento dal mondo: un isolamento che non aveva scelto, ma era una conseguenza della sua immensa fama", dice Berger nel capitolo dedicato a Picasso del libro sugli artisti. Vol. 2. Negli anni Quaranta, Picasso era terribilmente famoso, poi si trasferì nel sud della Francia, che era una zona più tranquilla. Ha vissuto con il suo partner Françoise Gilot, con il quale ha avuto i suoi figli Paloma e Claude, in uno stadio prolifico in cui ha realizzato dipinti, disegni, incisioni e sculture. Nel 1946, visitò la fabbrica di Madura ed è affascinato dalla ceramica, chiede di insegnargli la tecnica e iniziare ad andare ogni giorno per imparare. Ha 65 anni e il suo desiderio di continuare a sperimentare e conoscere nuove lingue è intatto. Nel 1952, proprio lì, Picasso incontrò Jacqueline Roque, che aveva iniziato a lavorare a Madura come commessa. Aveva 71 anni e lei aveva 25 anni. Sarebbe stata la sua ultima moglie e che avrebbe ripetutamente dipinto per i successivi vent'anni. Sarebbe anche dedicato a reinterpretare le opere più conosciute di Diego Velázquez, Eugène Delacroix e Gustave Coubet. In quest'ultima fase della sua vita, Berger crede: "Durante l'ultimo periodo della sua vita, le sue copie degli antichi insegnanti - come Diego Velázquez, Nicolas Poussin o Eugène Delacroix - furono un tentativo di trovare un'azienda, per ripristinare una continuità rotta alla rottura della continuità rotta . E gli ha permesso di unirsi a loro. Ma non potevano unirsi a lui. E così, è rimasto da solo, come fanno sempre gli anziani. Ma la sua solitudine era irrilevante, perché, come persona storica, si separò dal mondo dal suo tempo e, come pittore, da una tradizione pittorica che lo aveva continuato. " A causa di un edema polmonare, Picasso morì all'età di 91 anni nella sua casa di Mougins, in Francia, l'8 aprile 1973. "Tutto il dipinto si occupa del dialogo tra presenza e assenza e l'arte di Picasso, nel suo senso più profondo, è Situato al confine tra i due, sulla soglia dell'esistenza, dei appena iniziati, degli incompiuti ", afferma Berger. Bullring, 1959. Serie di 8 piastre. Brockery rossa con decorazione di angobe nero. Madura Factory. Pablo Picasso. Fonte di dati biografici: sito web del National Museum of Fine Arts; Berger, John. "Sugli artisti. Vol. 2 ". Editoriale Gustavo Gili. Barcellona. Spagna. 2018. Berger, John. "Fame e solitudine di Picasso". Alfaguara. Spagna. 2013.

Ministerio de Cultura Picasso, el gran experimentador Picasso, el gran experimentador A 50 años de la muerte del artista español, el Bellas Artes expone la totalidad de las obras que posee el museo del creador del cubismo. En esta entrevista, la curadora de la muestra, Paola Melgarejo, da detalles de la exhibición y dice que el autor del Guernica "nunca dejó de experimentar con nuevos lenguajes artísticos". sábado 08 de abril de 2023 El Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) se suma a los homenajes que el mundo del arte le rinde al artista español Pablo Picasso al cumplirse hoy 50 años de su muerte con la muestra Picasso en el patrimonio del Museo, que reúne más de 30 obras entre dibujos, grabados, cerámica y pinturas que pertenecen al acervo institucional. Lo interesante de la muestra es que, siguiendo el recorrido propuesto, se puede ir descubriendo (parte de) la vida y de la obra de Picasso; desde sus inicios, ya que hay expuestos algunos de sus primeros grabados, y a lo largo de su carrera: hay grabados, acuarelas, dibujos, un óleo de gran formato y hasta cerámicas, una técnica que aprendió a los 65 años. A través de estas creaciones, pueden verse las principales temáticas en las que el español trabajó durante su vida, como las mujeres, los ateliers, la situación política, la tauromaquia y los animales fantásticos. Paola Malgarejo, curadora de la muestra "Picasso en el patrimonio del Museo". El recorrido es una idea de Paola Melgarejo, la curadora de la muestra, quien en esta entrevista explica las particularidades de esta muestra y también de la vida del artista español. Melgarejo, investigadora del Bellas Artes y especialista en arte europeo del siglo XIX y XX, cuenta que Picasso experimentó en todas las técnicas y lenguajes de las artes plásticas durante toda carrera. De joven quiso aprender grabado, que entonces no se enseñaba en las academias y a los 65 años conoce una alfarería y decide aprender cerámica. Y, además, fue cambiando hasta cuando le iba bien y tenía éxito. Por ejemplo, después de catapultarse con el cubismo, lo abandonó por un tiempo en un período que se conoce como el retorno al orden. "Fue un innovador. Me parece que ese riesgo que él tomaba en todo momento es algo destacable", dice la curadora. Entre las obras en exhibición, datadas entre 1905-1959, se encuentra Mujer acostada, óleo de gran formato de 1931, una pieza mayor del acervo del museo, en la que está representada Marie-Thérèse Walter, madre de su hija Maya. Mujer acostada, 1931. Pablo Picasso. "Pongo en mis cuadros lo que amo", dijo Picasso en 1936. El pintor representó a las mujeres que marcaron su vida, y que se reiteran por etapas, como parte de sus búsquedas experimentales en torno a la figuración y al cubismo. "En la exposición quisimos reivindicar que no eran sólo sus musas estas mujeres porque las mujeres que aparecen representadas fueron sus parejas y en general fueron mujeres que tenían su propia vocación, su identidad", cuenta Melgarejo. -¿Por qué Picasso es uno de los grandes pintores de la historia? -Picasso es uno de los artistas que impulsó las vanguardias históricas, esos movimientos artísticos que rompieron con la figuración tradicional. Desde muy joven, cuando se fue a vivir a Montmartre en 1904, empezó a experimentar con los lenguajes artísticos y, hacia 1907, dio inicio al cubismo. El cubismo rompía con la figuración tradicional porque rompía la perspectiva, el punto de vista único; desde entonces, las formas aparecen fragmentadas, con diversos puntos de vista, en espacios rebatidos; es una nueva manera de ver una obra de arte. A partir de ese momento no dejó nunca de experimentar con nuevos lenguajes artísticos, se fue rehaciendo una y otra vez. El cubismo, de hecho, tiene etapas diferentes, el cubismo analítico y el cubismo sintético; eso marca la búsqueda constante por innovar los lenguajes artísticos, por cambiarlos, por hacer una ruptura entre el arte previo a las vanguardias de 1905, 1906 y aquel presente; el presente de esta nueva generación que rompe con las formas, con los colores, con las ideas que se tenía sobre el lenguaje moderno. Caballo, Historia Natural de Buffon, 1936. Libro: Historia Natural. Pablo Picasso. -¿Cómo el museo adquiere las obras de Picasso que hoy se encuentran en exhibición? -Hasta 1956 el museo no contaba con ninguna pieza de este artista y es entonces cuando se empieza a pensar en esa posibilidad. En 1956, el director del museo era Jorge Romero Brest y, en su gestión, un grupo de aficionados asistentes al museo, se entusiasma con la idea de tener obras de Picasso. Este grupo de aficionados, en conjunto con la Asociación Amigos, reúne fondos con el objetivo de comprar obras que puedan ser donadas al museo. Este objetivo se logra; se juntan estos fondos y Romero Brest selecciona las obras en la galería en París de Daniel-Henry Kahnweiler, que era el marchand de Picasso. Romero Brest elige un grupo de grabados y cerámicas, y además dona obras de su propia colección como Sueño y mentira de Franco y una cerámica. En 1958 ya estaban casi todas las piezas que hoy se pueden ver en la exposición. Unos años después, en la siguiente gestión, la de Samuel Oliver, el museo adquiere dos obras más a la Fundación Torcuato Di Tella; que estaba cerrando sus puertas y se compran entonces una acuarela, que es La mujer desnuda de espaldas y una pintura al óleo que es Mujer acostada de 1931. Así que en esta ocasión se puede ver la totalidad de las obras compradas en ese entonces y que son la totalidad de las obras de Pablo Picasso que tiene el museo. Mujer desnuda de espalda, 1905. Pablo Picasso. -¿Cómo y cuándo Picasso aprendió la técnica del grabado? ¿Qué importancia le da esta técnica? -Picasso aprendió la técnica del grabado sobre chapa cuando tiene unos 22, 23 años y vive en Montmartre. Antes había hecho algunas experiencias en grabado sobre madera, pero no había podido aprender esta técnica en las academias donde estudió, que fue en la Academia de Bellas Artes de Barcelona y en la Academia de San Fernando en Madrid. El método de enseñanza de las academias era muy tradicional y ponía el énfasis en la enseñanza del dibujo. Ya viviendo en París, siendo muy joven y también muy pobre, sus amigos pintores le enseñaron a grabar en chapas con un buril y, como no tenía fondos suficientes para comprar una chapa, reutilizó las que dejaban otros artistas. Las técnicas del aguafuerte, la punta seca las aprende practicando una y otra vez en estas chapas. En ese momento, entre 1904 y 1906, pudo hacerlas estampar pero de cada chapa sacó unas pocas estampas. Tiempo después, para 1909, 1910, Picasso ya era un artista reconocido y los marchands de entonces, sobre todo Daniel-Henry Kahnweiler y Ambroise Vollard, compraron estas chapas en 1911, 1912 y las hicieron estampar y sacaron varias estampas de cada una. Este fue el inicio del interés que tuvo por esta técnica pero, a lo largo de toda su vida, va a realizar numerosísimos grabados en series. Hay series de grabados que él hace de un tirón en poco tiempo, por ejemplo 100 grabados para la Suite Vollard o, al final de su vida, hace experiencias con una serie de 347 grabados, otra de 100 grabados también. Va a realizar gran cantidad de grabados en diferentes técnicas, porque experimenta siempre, no sólo aguafuerte y punta seca, sino que va a experimentar con el aguatinta, va a utilizar otras técnicas que requieren diversos materiales, la litografía, el linograbado, es un artista siempre en la búsqueda de técnicas novedosas. Naturaleza muerta con frutero, 1909. Pablo Picasso. -Uno de los temas que aparece en la muestra es "el artista y su atelier", ¿por qué este tema se convierte en uno de los temas "picassianos"? -Este tema le interesó muy tempranamente. Hay obras ligadas a esta temática desde 1914 y, en 1972, unos meses antes de morir, estaba también trabajando con esta temática. Es una manera de abordar su propia existencia diaria, que la pasaba en esos talleres. Él tuvo varios talleres, en París, pero también en otros lugares donde vivió, como en la Costa Azul, y además cada vez que se trasladaba a algún lugar montaba un pequeño atelier. Así que el atelier y su modelo es un tema ligado a su propia vida. Es un modo de reflexionar sobre sí mismo. Picasso dejó dicho que sus obras eran autobiográficas, que había que leerlas como páginas de su diario. Así que en todo momento que aparecen estas escenas del artista en su atelier, en pinturas y en grabados, hay que leerlas como esas páginas de su diario, como momentos de su vida diaria en los que él estaba en ese atelier con su modelo y pasaba muchas horas investigando nuevos lenguajes. Esas modelos aparecen a veces representadas de manera figurativa, pero otras veces de manera cubista, surrealista. Él va haciendo sus propias experiencias. Es como un espejo de sí mismo esta temática. El atelier, 1927. Pablo Picasso. -El tercer núcleo de la muestra se llama Femmes, Retratos de Mujeres. ¿Nos podrías contar cómo era la relación de Picasso con las mujeres de su vida y cómo aparecen representadas en su obra? -Las mujeres son el centro de su obra y de sus experiencias porque a través de la representación de estas mujeres, él va abordando diferentes lenguajes y va experimentando con distintas técnicas. En la exposición quisimos reivindicar que no eran sólo sus musas estas mujeres porque las mujeres que aparecen representadas fueron sus parejas y en general fueron mujeres que tenían su propia vocación, su identidad. Olga Khokhlova, su primera esposa, fue una bailarina de la troupe del ballet de Diáguilev. Dora Maar fue pintora y fotógrafa surrealista. De hecho, en el museo tenemos una pintura de ella hecha en 1934 y fue una mujer con una postura política muy fuerte que lo impulsó a tomar una postura antifascista en el contexto de la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial. Lo influyó y él la influyó a ella, porque ella hacía fotografías surrealistas y él la impulsó para que empezara a pintar, que se dedicara a la pintura. Ella ya había estudiado pintura pero su vocación estaba volcada hacia la fotografía. Françoise Gilot fue una artista, también una pintora, fue y es porque vive actualmente. Fernande Olivier también pintaba. En general se las vio siempre como las musas de Picasso pero hoy en día se intenta devolverles su identidad, su identidad como mujeres, como profesionales, más allá de la vida de Pablo Picasso. Y a nivel personal con sus parejas, Picasso tuvo relaciones muy apasionadas pero también muy tormentosas. Estar con Picasso les permitió, a las distintas parejas que tuvo, ingresar al mundo cultural de entonces, porque Picasso tenía una personalidad fuerte, atraía a poetas, bailarines, personajes de la moda, a otros artistas. Él se codeaba con todo el mundo cultural y, al ser la pareja de Picasso, eso les permitía a ellas moverse en ese círculo. Pero, por ejemplo, Dora Maar antes de conocer a Picasso ya se movía en el círculo de los artistas surrealistas. Y Olga Khokhlova ya se movía en el círculo del ballet, pero a partir de estar con él, ese contacto se hace más fuerte, pueden conocer a otras personalidades. A la vez, ellas tuvieron que estar en una relación desigual. Picasso era un hombre del siglo XIX, nació a finales del siglo XIX y en sus relaciones amorosas había celos, de parte de él, desplantes y muchos abandonos. Son mujeres que en parte sufrieron estas relaciones, todo este costado emocional era difícil para ellas. Así que todo aquello que les traía ese mundo cultural, ese brillo de estar al lado de una figura como Pablo Picasso también tenía otro condimento, una parte un poco sombría ligada a la personalidad de él y, en general, ellas sufrieron esta situación. La mujer que pudo resolver esto de otra manera fue Françoise Gilot, la madre de sus hijos Paloma y Claude, que fue quien pudo terminar la relación con él. A ella no le satisfacía una relación tan desigual y pudo dejarlo atrás, pero las otras mujeres lo sufrieron más. Figura compuesta I, 1949. Pablo Picasso. -A través de una serie de grabados, en la muestra también se puede ver el compromiso político de Picasso. ¿Cuál es la historia de esos grabados y su relación con el Guernica? -Desde 1904 hasta su muerte en 1973, Picasso vivió en Francia, pero cada tanto volvía a Barcelona a visitar a su familia. La última vez que había estado había sido en 1934. En 1936 estalla la Guerra Civil española y el gobierno republicano necesita fondos, necesita ayuda, necesita el compromiso político de la gente que vive en otros países, entonces le pide a Picasso un mural en favor de la causa republicana para el pabellón español de la exposición internacional de París que se iba a hacer en 1937. Es enero de 1937 y Picasso empieza a realizar la serie de grabados que después iría a denominar Sueño y mentira de Franco, porque la idea también era recaudar fondos para la causa republicana vendiendo estos grabados. Estos grabados están realizados en dos chapas y cada chapa tiene nueve viñetas. Empieza en enero con una chapa y hace las nueve viñetas y también realiza cinco viñetas de la segunda chapa. Están todas ligadas al general Franco, quien está satirizado. Son escenas donde Franco aparece con una imagen monstruosa, rezándole al dinero o destruyendo personas o animales. Lo muestra en este modo bastante fuerte y satírico y está en este proceso cuando, a fines de abril, se entera del bombardeo sobre la población vasca de Guernica, en España. Entonces se le ocurre el tema para el mural que le habían pedido y empieza a trabajar en una gran tela con la temática que hoy conocemos como el Guernica. Esta tela es un alegato ligado a este suceso en España. Lo impulsa la propia Dora Maar, su pareja en ese entonces; ella tenía un compromiso político antifascista y lo impulsa a trabajar en estas obras y a tomar esta postura política. En el Guernica, pueden verse mujeres que lloran, que gritan, niños muertos y, en el contexto de realizar el Guernica, Picasso termina los grabados que venía haciendo, que le faltaban hacer cuatro viñetas. Estas cuatro viñetas están totalmente ligadas al Guernica: también se pueden ver mujeres que gritan, niños muertos, o sea, ya una temática distinta a la que representaba la sátira al general Franco. Estos grabados se vendieron en un stand frente al Guernica, que finalmente se montó en el pabellón español de la exposición internacional de París, así que en el mismo espacio se podía ver la pintura y, enfrente, los grabados de Pablo Picasso. Sueño y mentira de Franco, 1937. Dos planchas con nueve escenas cada una, aguatinta y aguafuerte sobre papel. Pablo Picasso. -En el último eje de la muestra hay una serie de ocho platos de cerámica. ¿Cómo llega Picasso a esta técnica? -En 1946, él estaba en la Costa Azul francesa y conoce la alfarería Madoura. Se entusiasma con esta técnica y pide que se la enseñen. Así que empieza a ir día tras día a este taller para aprender la técnica de la cerámica. Al principio, dice que le resulta difícil porque tiene que poner los colores previamente sin saber cómo van a quedar después del horneado. Incluso las formas también se modifican con el horneado, pero como es una artista muy experimental, empieza a usar todo esto a su favor, a experimentar con distintas posibilidades de la técnica. Y desde ahí, hasta el final de su vida, va a hacer numerosas cerámicas, siempre ligado a esta alfarería. Él se va a instalar en la Costa Azul francesa así que va a estar en contacto permanente con el matrimonio Ramié, que es el matrimonio que regentea esta casa de cerámicas. Es una técnica en la que experimenta varias de sus temáticas: la tauromaquia, los animales y los personajes fantásticos, los faunos, los centauros. Le va a resultar una técnica que lo entusiasma mucho y, a la vez, una nueva posibilidad del arte que hasta el momento no había tenido en cuenta. No toma la cerámica como una técnica menor. Todas las técnicas que él aborda les da el privilegio y la importancia de técnicas principales del arte. Cuando pinta, cuando hace grabados o cuando hace cerámicas o esculturas, para él todas son técnicas que privilegia y que merecen un lugar destacado dentro de la historia del arte. Corrida de toros, 1959. Serie de 8 platos. Loza roja con decoración de engobe negro. Factoría Madoura. -A nivel personal, ¿qué es lo que a vos te cautiva de Picasso? -Yo creo que la pasión que puso en su vocación, en su profesión. Él tuvo una facilidad innata, porque no es lo común que un niño a los ocho años dibuje y pinte de la manera en la que él lo hacía; a los trece años se destaca como artista académico. A los quince años también, en la Academia de Bellas Artes, realiza unos dibujos que no son comunes a esa edad. Pero a esta vocación innata, le suma un trabajo infatigable, día tras día, desde que es un niño hasta su muerte a los 91 años. Día tras día trabaja en su arte y me interesa eso, la idea de que el trabajo diario produce al final una vocación, una obra, una producción, en el sentido que sea. La vocación necesita de ese trabajo diario, él era un trabajador de lo suyo. También me interesa que experimentó muchísimo en todas las técnicas y no se quedó con un solo lenguaje. Ni cuando le iba bien se quedó en un lenguaje o en una técnica, porque en la Academia de Bellas Artes cuando él tenía catorce años, haciendo trabajos académicos le iba muy bien, se destacaba y no se quedó en ese lenguaje, se fue a París y practicó otros lenguajes. En 1901 era muy joven, expuso por primera vez, y él tenía el estilo de (Henri de) Toulouse-Lautrec en ese entonces, le fue bien, le fue bien también en sus períodos azul y rosa, le empezó a ir bien con estas obras y sin embargo no le bastaba, no le alcanzaba y buscó el cubismo y una vez que tuvo éxito con el cubismo, años después volvió a la figura humana en un período que se llamó el retorno al orden, es decir que tampoco se quedó con lo que le daba fama, prestigio, siempre estaba a la búsqueda de un lenguaje nuevo y de hecho hasta el final de su vida estuvo en esa búsqueda. Fue un artista que hasta sus últimos días hacía cerca de una obra por día y siempre innovando en las técnicas y en los lenguajes. Me parece que ese riesgo que él tomaba en todo momento es algo destacable y esa idea de que para destacarse en una profesión hay que ser un trabajador y dedicarle tiempo diariamente, que al final la profesión se va armando con esos días repetidos donde él trabaja, donde investiga, donde experimenta y al final eso da como resultado un artista de esta calidad. Ángel Navarro, curador de la muestra "Papeles antiguos"; Mariana Marchesi, directora artística del Museo; Andrés Duprat, director del Museo; Paola Malgarejo, curadora de la muestra "Picasso en el patrimonio del Museo" y Julio César Crivelli, presidente de la Asociación Amigos del Bellas Artes. Sobre la vida de Pablo Picasso Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, al sur de España, en el seno de una familia burguesa. Empezó a pintar a los ocho años, bajo la guía de su padre, José Ruiz y Blasco, pintor y profesor de dibujo. A los catorce años, comenzó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Barcelona y más tarde los siguió en la Academia de San Fernando, en Madrid. Ya de niño mostró un talento excepcional para la pintura y fue un destacado estudiante de las academias de arte, pero encontró esta enseñanza anticuada y la abandonó. A los 22 años (1904) se va a vivir a Francia y se instala en el viejo edificio conocido como el Bateau-Lavoir, en el barrio parisino de Montmartre. Allí es donde sus amigos pintores le enseñan la técnica del grabado. En esta etapa de juventud busca su propio estilo, realiza sus obras de los períodos azul y rosa, en pinturas protagonizadas por mendigos y arlequines, y en 1907, comenzó a experimentar con el cubismo en su pintura Las señoritas de Avignon. "Picasso no aceptaba la realidad visual como algo innato e inevitable. Por el contrario, era siempre consciente de que todo lo que veía podría haber tomado una forma distinta, de que detrás de lo que se ve hay otras cien posibilidades visibles que han sido rechazadas" dice el escritor y crítico de arte inglés **John Berger** en el prólogo que escribió en 1987 para la reedición de su libro *Fama y soledad de Picasso*, que había sido publicado en 1965. Como cuenta la especialista en arte Paola Melgarejo, "fue un artista siempre en la búsqueda de técnicas novedosas", que nunca dejó de experimentar lenguajes nuevos en el transcurso de su vida. "Su diabólico impulso hacia la invención, a veces profundo y a veces superficial, se derivaba de esa convicción esencial de que, en el origen, lo visible es arbitrario", continúa Berger. Escultor con copa y modelo en cuclillas, de la serie Suite Vollard / El taller del escultor (1930-1937), 1933. Pablo Picasso. En compañía de poetas y pintores como Guillaume Apollinaire, Amedeo Modigliani y Juan Gris, tiene una vida bohemia. Durante los años siguientes, junto a Georges Braque, practicó el cubismo analítico (representando las figuras desde múltiples puntos de vista), y el cubismo sintético (a partir de unas formas esquemáticas en las que incorporó los papeles pegados). Sus obras empiezan a ser adquiridas por importantes coleccionistas, como la escritora estadounidense Gertrude Stein, y marchands Daniel-Henry Kahnweiler y Ambroise Vollard. En 1917 colabora con diseños de trajes y decorados para la de Ballet Ruso, dirigida por Sergéi Diágilev. Entonces conoce a Olga Khokhlova, una bailarina rusa, con la que se casó y tuvo a su hijo Paulo. En los años veinte, su fama se acrecentó y vendió gran cantidad de obras, y entró en contacto con diferentes círculos artísticos, como los escritores de la "Generación perdida", los integrantes del grupo surrealista, y con diseñadores de moda, como Gabrielle Chanel, y los bailarines y coreógrafos ligados al Ballet Ruso, ya que siguió realizando diseños para esta compañía. A diferencia de muchos otros pintores, Picasso se hizo tremendamente famoso durante su vida y también cosechó fortuna y pudo vivir de su producción artística. "Su nombre lo conocen muchos que no podrían decir cómo se llama su primer ministro. En Inglaterra es tan famoso que Rafael en Italia. En Francia goza de más renombre que Robespierre (. . ) No cabe duda de que ningún otro pintor fue tan conocido por tanta gente", escribía Berger en 1965 cuando Picasso aún vivía y agrega: "Desde los veintiocho años había quedado libre de preocupaciones monetarias, a los treinta y ocho era rico y desde los sesenta y cinco fue millonario". En la década siguiente, intercambió ideas y realizó viajes con artistas y escritores del grupo surrealista, como André Breton y Paul Éluard, e incorporó este lenguaje en algunas de sus obras. Su pareja de ese momento era Marie-Thérèse Walter, a quien retrató en múltiples obras y quien es la protagonista de Mujer acostada, óleo de gran formato de 1931 y una pieza mayor del acervo del Museo Nacional de Bellas Artes. Walter es la madre de su hija Maya. Ilustraciones del libro Dos cuentos: El centauro picador y El ocaso de un fauno de Ramón Reventós, 1947. Pablo Picasso. Durante la Guerra Civil española, en 1937, influenciado por la postura política de la pintora y fotógrafa Dora Maar, su pareja por entonces, pintó uno de sus cuadros más famosos: el Guernica. Tras la Ocupación alemana de París en junio de 1940, mientras el Guernica se exhibía en varios países, su arte fue calificado de "degenerado" por el nazismo. Tras la Liberación de la ciudad en agosto de 1944, se afilió al Partido Comunista Francés. Esta postura antifascista le impidió volver a su país, ya que la dictadura de Francisco Franco se extendió hasta después de su muerte. "Vivía en un extraño aislamiento del mundo: un aislamiento que no había escogido él mismo, sino que era una consecuencia de su inmensa fama", cuenta Berger en el capítulo dedicado a Picasso del libro Sobre los artistas. Vol. 2. En los años cuarenta, Picasso era terriblemente famoso, entonces se mudó al sur de Francia, que era una zona más tranquila. Vivió con su pareja Françoise Gilot, con quien tuvo a sus hijos Paloma y Claude, en una etapa prolífica en la que hizo pinturas, dibujos, grabados y esculturas. En 1946, visita la factoría Madoura y queda fascinado con la alfarería, pide que le enseñen la técnica y comienza a ir todos los días para aprender. Tiene 65 años y siguen intactas sus ganas de seguir experimentando y conociendo lenguajes nuevos. En 1952, allí mismo, Picasso conoce a Jacqueline Roque, quien había empezado a trabajar en Madoura como vendedora. Él tenía 71 y ella 25. Sería su última esposa y a quien pintaría repetidamente durante los siguientes veinte años. También se dedicaría a reinterpretar las obras más conocidas de Diego Velázquez, Eugène Delacroix y Gustave Courbet. Sobre esta última etapa de su vida, Berger opina: "Durante el último período de su vida, sus copias de los antiguos maestros –como Diego Velázquez, Nicolas Poussin o Eugène Delacroix– fueron un intento de encontrar compañía, de restablecer una continuidad rota. Y le permitían unirse a ellos. Pero ellos no podían unirse a él. Y así, se quedó solo, como siempre lo hacen los viejos. Pero su soledad era irremediable, porque, como persona histórica, se separó del mundo de su tiempo, y, como pintor, de una tradición pictórica que se había continuado hasta él". Debido a un edema pulmonar, Picasso murió a los 91 años en su casa de Mougins, Francia, el 8 de abril de 1973. "Toda la pintura trata del diálogo entre la presencia y la ausencia, y el arte de Picasso, en su sentido más profundo, se sitúa en la frontera entre las dos, en el umbral de la existencia, de lo recién comenzado, de lo inacabado", dice Berger. Corrida de toros, 1959. Serie de 8 platos. Loza roja con decoración de engobe negro. Factoría Madoura. Pablo Picasso. Fuente de los datos biográficos: Web del Museo Nacional de Bellas Artes; Berger, John. "Sobre los artistas. Vol. 2". Editorial Gustavo Gili. Barcelona. España. 2018. Berger, John. "Fama y soledad de Picasso". Alfaguara. España. 2013.